Andris Nelsons et l’Orchestre Philharmonique de Vienne dans la VIIe à Budapest

Dès les premières mesures, on sent combien la ligne défendue par Andris Nelsons est à la fois ambitieuse et risquée. Ambitieuse car le tempo plus lent que dans la plupart des versions permet de mettre en lumière les articulations, les contre-chants, et de faire ressortir plus nettement les épisodes contrastés de ce premier mouvement. Risquée car cette approche requiert une phalange exceptionnelle en tous points et accentue le risque de s’égarer un peu, de s’appesantir sur des épisodes, d’écouter jouer. Il faudra une bonne dizaine de minutes pour que l’orchestre se cale, dans l’acoustique de cette salle qui ne lui est pas familière. Quelques décalages dans les démarrages entre premiers et seconds violons ou au sein de certains pupitres (cors notamment) montrent un peu de fébrilité. Andris Nelsons parvient toutefois à conserver l’unité du discours, et c’est dans la deuxième moitié du mouvement que le miracle se produit, avec un orchestre « chaud » et un narratif inquiétant, tragique, nocturne, rendu à merveille. La fin est spectaculairement sombre et terriblement impressionnante, soulignant la justesse de vue du chef, enfin totalement en phase avec l’orchestre.

Le début de la première Nachtmusik est également splendide, les interventions des vents sont subtiles, parfaitement dosées et l’atmosphère douce et sombre à la fois de ce court mouvement est idéalement rendue. Le tempo est plus « classique », l’équilibre, souverain ; c’est une direction d’une grande classe, servie par un orchestre concentré dont les qualités d’écoute mutuelle sont impressionnantes. Après un Scherzo fantomatique, tendu, sinistre, faisant la part belle à la virtuosité de l’orchestre mais toujours dans un tempo assez modéré, la seconde Nachtmusik marque le pas. Mouvement éminemment délicat, dont l’atmosphère générale rêveuse tranche avec ce qui précède, (rappelons que son orchestration fait appel à une guitare et une mandoline), il peut désorienter et focaliser l’orchestre sur des détails plutôt que sur l’ensemble. C’est ce qui se produit ici, on s’arrête sur des épisodes, la lecture devient discontinue. On retrouve un trait du chef dans certains de ses enregistrements de Bruckner, dans lesquels la splendeur sonore semble se suffire à elle-même, au détriment de la ligne. Le Rondo-Finale met fin de manière brutale à cette rêverie, avec une interprétation « bruyante », classique, et, disons-le, un peu ennuyeuse du chef letton. Le tempo est vif, cuivres et timbales (exceptionnels) sont au premier plan, mais les épisodes internes sont assez peu contrastés. Dans les concerts de la saison, seul Kirill Petrenko avait fait preuve d’une grande originalité dans ce Rondo-Finale, accentuant la continuité avec le reste de l’œuvre et mettant en valeur toutes ses subtilités, avec beaucoup d’intelligence.